Holo觀景窗｜EP15.platform A 駐站藝術家-邱伶琳

platform A 駐站藝術家－邱伶琳的學思歷程

畢業於國立臺北藝術大學美術創作學系碩士班，主要創作媒材為水墨及陶土等複合媒材。

初見伶琳的時候，她大大的眼睛帶著一點空靈的氣息，心中不禁讚嘆：這就是藝術家的清新脫俗阿！
沒想到深聊後才發現，原來藝術家不會魔法，其實我們也都是麻瓜，一樣在塵世中浮沉，一樣有情緒要抒發，有故事要說......
水墨的材質對於邱伶琳而言，除了媒材本身的特性外，還有一種儀式感，藉由磨墨、裱貼的重複性動作，讓她能檢視創作畫面與自身的關係；而水墨媒材的原料大多來自自然環境，也讓創作的過程能夠更加貼近土地。 

R編： 從小就對美術有興趣嗎？是什麼原因決定走藝術這條路？

伶琳：小時候很喜歡著色，也喜歡著色本以外的世界，有次還掀起正在睡午覺的哥哥的衣服卯起來上色，還有其他種種幼年的自由創作過程，讓家人覺得這小孩好像很喜歡弄東弄西（以爸媽的話來說是喜歡搞怪），於是就送去報考國小美術班，一路就到了研究所。
對我來說，創作是有持續想要透過藝術手法來對話的需求，如果不做，就像要保持緘默般難受。

我是一個很愛寫日記的人，有時候回頭看，可能因為字跡潦草而看不懂內容，但當下的情緒都會得到抒發並藉由筆觸被記錄下來，在這個過程中我發現，筆觸的線條表情遠比文字內容要來得更直接，這也引導了現在走到創作的路，總有不得不為之的感覺。 即使這樣我也曾經有過徬徨的時刻，並不是要放棄創作，而是要不要將創作視為一生的志業，每當這些念頭出現的時候，都會有些機緣在背後推我一把，像在支持我繼續走下去，漸漸地就走到今天了。

R編：一開始怎麼與 platform A 結識，從而決定成為駐站藝術家？

伶琳：其實一開始是收到來信才知道這個平台，但這封信跟以往的邀約很不一樣，除了字裡行間充滿誠意外，可以感受到 platform A 真的有仔細看過我所有的資訊以及作品，他(她) 們把所有的作品用文字表達出來，並且還註記哪些作品令人印象深刻。 後來進一步面談時也參觀了倉儲系統及網站介面及功能規劃，這些都是從照顧創作者跟作品為出發點，並且合作合約的部分也講的非常清楚，有任何問題也會馬上獲得解答，以往在台灣好像沒有看過這樣的平台。

R編： 對您來說，platform A 與傳統的畫廊最大的區別是什麼?

伶琳：我覺得與創作者的互動方式有很大的不同，platform A 無論是網頁安排與文案內容，都會與創作者討論，這非常重要。另外， platform A 可以當創作者跟觀者之間的橋樑，因為我們可能比較善於用創作紀錄與表達，但不一定擅於用文字整理，這點 platform A卻經營地很好，幫助我們更能與觀者產生連結。

「 platform A 不只是創作者的平台，它也讓觀者參與了觀畫的互動，拉進了彼此的距離 」

就像是一個線上的觀展空間，觀者可以輕鬆自在地欣賞不同藝術家的作品，除了透過作品本身去感受外，也可以透過文字進一步理解，不會被人打擾，我自己很喜歡這種慢慢的節奏。

R編：在藝術電商興起之前，藝術家都怎麼把畫賣出去？

伶琳：一般可以透過比賽或參展，有可能就會被收藏，也有一些政府辦的收藏，如文化部藝術銀行或國美館青年典藏，但青年典藏的部分幾年前就已經喊卡。比較多還是透過跟畫廊合作，有機會銷售作品或接到一些訂製畫的需求。

邱伶琳，〈原來我們要的如此不同 〉 ，2017，洋金箔、水墨、紙，Ø30 cm

生活於城市的人們，被各種資訊轟炸。
對藝術家來說，他們快速地在身上的每個角落裡穿梭著，她就像是個空殼、一個過道，或是一個載體，好像是某種資源一樣，不斷地被消耗。因此她試著找到一個可以確立自身的方式，去感受每個時刻，並且留下當時的狀態。在這件作品裡，藝術家想要試著重新找回那些更原始的感受，以及只存在於口耳相傳中的美好世界。
是否能拋開都市生活中的束縛，回到更為原始的狀態，看見火光竄動、走過森林山河；然後聽到水流潺潺，再感受風的流動？ 

R編：platform A 也有接受訂製委託的服務，一般像我這樣沒有藝術底子的消費者要怎麼開始？ 要怎麼把需求講明確？

伶琳：舉一個近期的案例，某位收藏家因為喜歡我的作品，希望在某個牆面也能有幅我的創作，除了尺寸訂製外，她還提取了一些元素，譬如要有氣質、有花草等風格，這是屬於比較自由的「創作案」，要看每個藝術家，接案與否端看討論過程中的契合度。另一種我會歸類為「設計案」 譬如一些政府的案子，主題風格明確，甚至還會審稿，這種就像是聽命行事。

R編：這樣藝術家可以接受嗎？ 一個口令一個動作的感覺。

伶琳：要看每個創作者囉，如果有一筆經費可以支撐三個月至半年的創作所需，還是可以接，不過比例分配相對重要，畢竟我不是專職的設計師，但如果接一個設計案可以省去很多畫室兼職的時間來專心創作，也是值得的，反之如果接太多而犧牲掉創作的時間，就需要再思考一下。

R編：關於靈感，可能每個人都會有靈光乍現的時候，但持續不斷地創作靈感對我們凡人來說很困難，身為藝術家的您如何能夠有源源不絕的創作能量?

伶琳：對我來說靈感與創作兩者有點分開，創作對我來說是需求，我的身體會告訴我需要創作了，就像是一個對話過程，需要參與跟互動，這過程讓我一直想創作。 而靈感來源通常來自於環境，我是環境型的學習者，譬如：選舉的轟鳴喧囂，或是路邊人造物有損壞時，偶爾就會有突然打到我的感覺，驅使我重新再看仔細一點， 或是日常情緒的累積等等，都是靈感的來源，感覺上很像代謝的過程。

R編：所以從來都沒有想要放棄過嗎? 如果有是什麼時候?

伶琳：有曾經覺得很辛苦的時候，就是一種疲乏。那種感覺是，即使不斷不斷地努力，卻沒有人看見，或是很難得才有一次的展覽機會，還有現實的壓力；我記得曾經有個國外的進修機會提出邀請，但因為我拿不出一大筆錢 (當時的補助是先自己出錢，再由政府核銷一半)，而無法赴約。

「 這種時候真的會問自己：真的要把藝術當成這輩子無法放下的一塊嗎？ 」

R編：怎麼度過這些困難跟想法呢?

伶琳：可能是突然又有一幅畫賣出，或是朋友的鼓勵，甚至是遠方不同國家的人，也會私訊我說他 (她) 很喜歡我的作品，很遺憾不能到現場但希望我堅持。諸如此類，讓我覺得好像可以再一下下，又再一下下。

R編：政府補助容易拿嗎? 

伶琳：其實不容易，要寫計畫投草案，落選是常態。真的拿到補助以後除了行政程序繁瑣外，材料費的部分通常都是補助一半，這時候或許就要斜槓兼差賺另一半的材料費。所以時間管理很重要，一不小心就會被期限追著跑。 我的結論就是不能全依賴補助，如果過於依賴補助就會變成好像沒有補助就沒有動力創作，容易陷入一個負循環。

R編：冒昧請問您身為藝術家，是不是有什麼特立獨行的地方?

伶琳：我大概理解你的感覺，有一些創作者可能會用比較獵奇的風格進行創作，但這樣的方法有一個大前提，就是透過作品所傳達的訊息，觀者要能夠收到。

我們都處在同一個世界，美感經驗是可以沿用的，比如說不同色彩所傳達的感覺，或是山稜線條的高度角度等，都有著一定的美感訊息，運用反差當然可以讓人留下一點印象，但這印象的意義是什麼？身為創作者的意圖又是什麼？

不過某方面來說，藝術家確實需要有一點偏執的性格，因為藝術的脈絡這麼大，要在這洪流中立足，勢必要做與眾不同的事，基於此，我們必須隨時警覺地尋找自己的定位跟相對位置。

除此之外我們沒有不同，而藝術本來就應該跟生活結合，對藝術家來說，同理心的訓練超重要，才不會困在自己的世界，生活經驗的連結就是一種同理心的訓練，認真生活才有足夠的累積回饋在藝術創作上。

R編：很多畢業生來Holo+FACE 拍攝畢業照，其中也滿多藝術相關科系，他(她)們應該會關注這篇訪談，您有沒有甚麼建議給未來有可能成為藝術家的這群？

伶琳：我覺得分兩個方向，第一就是問自己是否由衷真誠地喜歡創作這件事，能不能要求自己能有穩定品質的作品；第二是要有獨立自主判斷的能力，不管是作品本身的回饋或是環境帶來的任何訊息，要能夠消化。 

－「重要的是，要能找到方法接住脆弱時的自己。」

同場加映：HoloStoryEP14.platform A 創辦人chiu